Este envio es una prueba más de la vitalidad y vigencia del video arte uruguayo que sobrevive y crece a pesar de las grandes dificultades locales; lo que comenzó en 1982 en forma incipiente se ha afirmado con solidez. En él se incluye una selección de los trabajos de algunos de los creadores más destacados del panorama actual del video arte uruguayo. Esas obras son el producto de una labor entusiasta y emprendedora dedicada a explorar las posibilidades de la inmediatez, de la variación permanente y de las imágenes fugitivas del videoarte. Estos videoartistas trasmiten sus impulsos y mantienen vivo el deseo de experimentar en ese medio expresivo, incitante, versátil, espontáneo, frágil, transitorio y fluido.
1. Videista coreógrafo
Con la técnica del fundido aplicada a dos cuerpos de bailarines, Fernando Alvarez Cozzi expresa visualmente el tema del hermafroditismo sugerido por la lectura de "Los Cantos de Maldoror", la célebre obra del escritor franco-uruguayo Isidoro Ducasse, Conde de Lautréamont. La superposición óptica de imágenes trasmite a nivel visual el tema de la bisexualidad intrínseca. Forma y contenido están en interacción. Las figuras desnudas se mueven suavemente dejando entrever la aparición de dos imágenes y de dos sexos. Mientras tanto otras dualidades acústicas (las dos voces en off recitan en cadencia superpuesta el texto de Isidore Ducasse) y visuales (agua y fuego) enfatizan el discurso visual. La semiótica juega su partido desde el titulo. "El - La" refleja la idea central del hermafroditismo a partir de la letra ele, su prononciación en francés (elle) y los pronombres femenino - masculino en español con lo cual se alude también a la dualidad lingüistica de Lautréamont. Estos astutos apuntes están inspirados en conversaciones con Lisa Block de Behar (1).
Alvarez Cozzi connota la coexistencia de contrarios complementarios sexuales que son paradigma de la totalidad primordial, de la perfección primigenia y de la plenitud cósmica. El texto de Lautréamont le sirve de disparador para aludir a temas más contemporáneos como cierta tendencia actual hacia la androginia que va desde la ropa unisex a las figuras de Boy George, Michael Jackson o David Bowie que demuestra una recesión de las características sexuales, una especie de "grado cero" de la masculinidad y de la femineidad (Baudrillard) en la que se imponen los "gender benders". Pero a la vez está lo teratológico implícito en las imágenes generadas por la superposición. "No es más que un monstruo" escribe Lautréamont. Este hermafrodita electrónico creado por Alvarez Cozzi es tan inquietante como el texto que le da origen.
“Ballet de Cámara” recurre también a la danza y parte asimismo de un juego de palabras. Es el ballet creado con la cámara de video como inesperado coreógrafo. Alvarez Cozzi recicla imágenes anteriores de danzas de José Claudio y Julia Gadé y las recrea con diversos procedimientos sacando partido al tracer, al strobo, al speed shutter, al empleo de fondos mezclados de video NTSC y PAL, al zoom electrónico y a la agitación permanente vertical y horizontal de la cámara. Así se genera esa especie de tapiz de fondo, la barra de luz que cruza y la descomposición y fragmentación de las figuras. Los cuerpos de los bailarines se transforman en este video-danza en elementos etéreos. La intertextualidad está presente: desnudo bajando la escalera de Duchamp, el futurismo, el cubismo móvil, el arte cinético, las esculturas fragmentadas de Marta Minujin y las imágenes de los cuerpos mutantes del grupo "Momix" son posibles fuentes. Estos bailarines pájaros recuerdan, entre otras cosas, la coreografía de Cynthia Quinn y Moses Pendleton "Bird in my dreams" (1987, Momix).
2. Un aliento proustiano
Moroso, jugando con tiempos muertos, con la sobriedad y con el pathos, Eduardo Guevara se dedico a lo que es, de acuerdo a la definición de Bill Viola, la esencia del videoarte: el tiempo. "Solo Tiempo" lo testimonia a través de su contraposición entre lo vivo y lo inerte. Un cromatismo sutil es escogido para crear un paisaje imaginario en el que aparecen estatuas, detalles arquitectónicos y como contrafiguras cuerpos de jóvenes inactivos en estado de ensoñación, de meditación y de sueño diurno. Esta es una apuesta a la estética de la lentitud y de la inmovilidad en plena era de la velocidad y del torbellino. En ocasiones, las estatuas gesticulan más que esos jóvenes abandonados. Todo está impregnado de una melancolía subrayada por la música de Schumann, Brahms, Chopin, Mahler y ocasionalmente Jacques Brel cantando sobre la infancia pasada y perdida. El pasado es aludido una y otra vez. Con enfoque y desenfoque, travelling y paneo, Guevara capta detalles arquitectónicos y escultóricos neoclásicos, neo barrocos, y del historicismo ecléctico uruguayo propios del Museo Romántico y del Monumento a Rodó. Con el teleobjetivo descontextualiza estos referentes devolviendo al espectador la imagen de un Uruguay que es un pedazo de Europa trasplantado. Guevara reivindica con acento polémico la condición de los rioplatenses como "europeos exiliados" (Jorge Luis Borges). También los interiores con sus objetos y muebles antiguos hablandel tiempo que transcurre inexorable y de los fragmentos europeos que se encuentran en el Uruguay.
Video de clima, muy subjetivo, "Solo tiempo" crea un viaje de nostalgia. La vejez, el padre que duerme, las fotos añejas, el fútbol de una época de gloria fenecida, los recortes de diarios ya amarillentos, las imágenes borrosas del recuerdo, las revistas de un Uruguay que se fue ("El Dia Familiar", "Mundo Uruguayo") y figuras del pasado reciente (Ingrid Bergman, Twiggy, Vinicius de Moraes) integran ese registro melancólico.
Hay un tenue espacio que separa y une al sueño y a la muerte tan omnipresente en este canto crepuscular. "Je veux dormir, dormir plutót que vivre" (Baudelaire). "Memento mori" este video recuerda que tal vez la vida sólo es la máscara absurda de la muerte. En medio de esa temática aparece algún elemento de intertextualidad evocando a Miguel y la Capilla Sixtina. Y por encima de todo queda flotando el texto que se rescata en una de las tomas: “la libre estética”, una libre estética en la que parecen registrarse ecos de Antonioni, Resnais, Duras, Svberberg y Visconti.
3. Metamorfosis incesante
EnriqueAguerre tiene una opción clara desde el comienzo de su producción. Está interesado sobre todo en el procesamiento de la imagen, sin caer por ello en loque llama "la mermelada electrónica". Se desprende así de la fascinación gratuita de todos los efectos y del empalagoso juego con lo técnico aunque está preparado profesionalmente para abordarlo. Por eso usa con mesura el chroma key, la consola digital y los menúes que le ofrecen los programas de computadora para video; se cuida del "poder retiniano" (Javier Colis) de la tecnología pero no lo descarta destacándose como uno de los videistas de más sólidos y amplios conocimientos técnicos del Uruguay.
"Estado de gracia" está dividido en tres instancias en las que el protagonista es el tiempo interno del acto de mirar sobre lo mirado. Hay lugares, señales y reflejos. Aguerre registra con lente subjetiva la pared con graffitis, los edificios montevideanos y una de las plazas más bellas de la ciudad. Con asociación libre, surrealizante, genera una investígación sobre la percepción, las vinculaciones insólitas, la vida y la muerte, lo inerte y lo sanguíneo y el dolor. Predomina la mirada interior en ese fluir de imágenes que se metarmorfosean incesantemente como "un cuadro que respira" (Jean-Paul Fargier).
4. Sacarse los anteojos
En "Anteojos" Pablo Falconi especula con las texturas en movimiento, las cataratas de imágenes, las deformaciones cromáticas, la sobreexposición y los colores de alto contraste mientras deja descubrir una nueva realidad transformada y utiliza con creatividad las sugerencias musicales de Peter Gabriel. Con una estética abstracta explora el mundo que lo rodea registrando cada tanto una boca y un ojo. Como dice el propio autor son "ojos que miran virtualmente ciertas texturas en movimiento".
5. Desacralizando la cara boba
El grupo Forsison a su vez presenta diversas opciones siempre vinculadas a una filiación obsesiva con el mueble de televisión. El aparato está como referencia en su anti-mensaje televisivo. "La pasión" se inspira en "Los Cantos de Maldoror" generando un ambiente desacralizador y contestatario que invade la escena desde el insulto inicial a la contraposición de lo sacro y lo sexual en primeros planos agresivos. Unórgano genital masculino explosivo irrumpe desafiante e insólito en unvideo en el que el juego actoral importa. También en "Sacagato" se abordan los vicios generados por la televisión, el zapping del aburrimiento, los programas tontos, las imágenes especulares que devuelve el monitor, las distorsiones paradójicas de realidad en medio de un clima onanista, homosexual y narcisista. La televisión invade aun más la escena como meta discurso en "Zona TV".
6. La mirada y los objetos
En "Contemplación" Ernesto Claude integra lo estático y lo dinámico investigando la percepción frente a los objetos y la intervención del tiempo. Especula con efectos de cámara lenta y cámara rápida, juega con la abstracción y la figuración, utiliza el close up y genera formas borrosas. El ritmo sincopado, la modificación de lo verosímil, las imágenes suaves para un mundo duro y la deformación cromática tienen un evidente carácter poético vinculado al ojo de un fotógrafo sensible.
7. Lenguajes múltiples
Eduardo y Guillermo Casanova plantean el rescate ecológico en "34° Lat. S - 053° Long. W". Cabo Polonio aparece en una magnifica soledad no agredida a través de registros líricos y lentos de arenas, piedra, brumas, cielos, animales y mar. Una música trascendente crea el clima adecuado para plasmar este invernal Cabo Polonio que se libera de la destrucción impune del turismo y de las invasiones veraniegas. El video se transforma en un verdadero rito de celebración de la naturaleza primigenia, en una manifestación de deseo de una pureza que ya está contaminada. En "Moxhelis", por el contrario, todo se agita y las imágenes se superponen en el registro de un performance.
8. El video insiste
Estos son algunos de los caminos que transitan los vídeoartistas uruguayos para ir sugiriendo nuevas maneras de ver la realidad en un mundo en el que es difícil desprenderse de la inflación de las imágenes banales, del influjo creciente de los medios masivos vacuos y del hedonismo televisivo. Por suerte, y para defendernos de ese imperialismo visual anodino, estos artistas siguen existiendo e insistiendo. "El video insiste - sostiene Jean Paul Fargier - en su lugar entre cine y televisión, en un constante ir y venir, en una moción perpetua. Nunca vuelve al mismo punto, es una espiral que nunca termina, una pregunta en el corazón de un dilema." En ese espiral se encuentran estos realizadores uruguayos.
Alicia Haber
(1.) (ver “L: una letra y dos alas· en “La cuestión de los orígenes, Lautrámont & Laforgue”, Academia nacional de Letras, Montevideo, uruguay 1993).
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